Живопись

[Харуна]

В "Культурном форуме" не нашел такого раздела.
Открываю тему здесь.


Константин Алексеевич Васильев.

Русский художник Константин Алексеевич Васильев прожил недолгую жизнь. Он погиб 29 октября 1976 года , когда ему было 34 года. Однако его жизненный путь измеряется не прожитыми годами, а оставшимися после него работами: 400 живописных полотен и графических листов - вот итог его вдохновенного труда.

Работы художника можно увидеть здесь:
http://www.vasilev.info/
или:
http://slavs.org.ua/29-oktyabrya-1976-goda-pogib-konstantin-vasilev

[Харуна]

Виктор Михайлович Васнецов

ВАСНЕЦОВ ВИКТОР МИХАЙЛОВИЧ (1848–1926), художник, один из основоположников русского модерна в его национально-романтическом варианте. Родился в селе Лопьял (Вятская губерния) 3 (15) мая 1848 в семье священника. Учился в духовной семинарии в Вятке (1862–1867), затем в Петербурге, в рисовальной школе при петербургском Обществе поощрения художеств (где в 1867–1868 его наставником был И.Н.Крамской) и Академии художеств (1868–1875). Был членом «Товарищества передвижников». Молодой Васнецов всецело следовал традициям передвижнического бытописания, – таковы его образы обедневшей старой четы, перебирающейся «с квартиры на квартиру» (в одноименной картине 1876, Третьяковская галерея), либо припозднившихся картежников (Преферанс, 1879, там же).

С годами его все более увлекают поиски национально-исторической самобытности в искусстве, – те поиски, что приводят к рождению особого «русского стиля» внутри общеевропейского символизма и модерна. Васнецов совершенно преобразует русский исторический жанр, погружая мотивы Средневековья в волнующую атмосферу поэтической легенды или сказки; впрочем, и сами сказки зачастую становятся у него темами больших полотен. Среди этих живописных былин и сказок – картины Витязь на распутье (1878, Русский музей, Петербург), После побоища Игоря Святославича с половцами (по мотивам Слова о полку Игореве, 1880), Аленушка (1881), Три богатыря (1881–1898), Царь Иван Васильевич Грозный (1897; все картины – в Третьяковской галерее). Некоторые из этих произведений (к примеру, Три царевны подземного царства, 1881, там же) представляют уже типичные для модерна декоративные картины-панно, переносящие зрителя в мир грез. Тот же мир оживал в новаторских театральных работах Васнецова, в его эскизах к постановке пьесы-сказки А.Н.Островского Снегурочка на домашней сцене С.И.Мамонтова в Абрамцево (1881–1882) и одноименной оперы Н.А.Римского-Корсакова в Московской частной русской опере С.И.Мамонтова (1885). Принципы «русского стиля» мастер развивал также в области архитектуры и дизайна: по его эскизам, стилизующим древнерусскую старину, в Абрамцево были возведены церковь Спаса Нерукотворного (1881–1882) и Избушка на курьих ножках (1883), а в Москве – памятный крест на месте убийства великого князя Сергея Александровича в Кремле (1905, уничтожен при советской власти, воссоздан на территории московского Новоспасского монастыря) и фасад Третьяковской галереи (1906).
Своей хмурой экспрессией впечатляет панно Каменный век (1883–1885), исполненное художником для Исторического музея. Самым же значительным его монументально-декоративным свершением явились росписи киевского Владимирского собора (1885–1896); в них Васнецов стремился обновить византийские каноны, внося в них лирически-личностное начало. Ужасы революционного террора толкают художника в лагерь крайних консерваторов: после 1905 он примыкает к «Союзу русского народа», оформляя своими славянскими орнаментами издания «союзников». Живописные аллегории Царевна-Лягушка (1901–1918) и Бой Добрыни Никитича со Змеем Горынычем (1913–1918; обе работы – в его Дом-музее) выражают его печальные раздумья по поводу текущей политики.

КАРТИНЫ : http://ariskpriest.narod.ru/Vasnecov2.html

[NeZZabuDka]

Иван Константинович Айвазовский

Иван Константинович Айвазовский (родился 17 июля 1817 года - умер 19 апреля 1900 года) - один из самых известных художников-маринистов. Море у Айвазовского является как бы основой природы, художнику удается отобразитьть всю жизненную красоту могучей стихии. Одной из самых знаменитых картин Айвазовского стал его "Девятый вал" (1850 г.)
Однако Айвазовский оставил след в истории не только, как талантливый художник, но и как меценат. Иван Константинович щедро занимался благотворительностью - на его средства было построено здание археологического музея в Феодосии, проведены работы по благоустройству города.

Его картины произвели на меня впечатление, поэтому решила рассказать о нем немного, может кому-то будет интересно))
А картины его можете посмотреть по этой ссылке: http://www.artvek.ru/ayvazovskiy.html

[PoLyA]

Сальвадор Дали
Сальвадор Дали родился 11 мая 1904 г. в городе Фигерасе (Figueras(исп.), провинция Жерона на севере Испании), в семье зажиточного нотариуса. Обучаться изобразительному искусству начал в муниципальной художественной школе. С 1914 по 1918 г. воспитывался в Академии братьев ордена маристов в Фигерасе.

В 1916 г. отправился на каникулы в город Кадакес, где впервые познакомился с модернистским искусством. Первая персональная выставка Дали состоялась в 1919 г. В 1921 г. отец решает послать Сальвадора для учёбы в Мадрид, в Академию художеств Сан-Фернандо, где он знакомится с такими деятелями испанской культуры, как Луис Буньюэль, Федерико Гарсиа Лорка и Педро Гарфиас.

Знакомство с новыми течениями в живописи развивается — Дали экспериментирует с методами кубизма и дадаизма. В 1926 г. его выгоняют из Академии за высокомерное и пренебрежительное отношение к преподавателям. В том же году впервые едет в Париж, где знакомится с Пикассо. Пытаясь найти собственный стиль, в конце 1920-х создает ряд работ под влиянием Пикассо и Хуана Миро. В 1929 г. участвует вместе с Буньюэлем в создании сюрреалистического фильма «Андалузский пёс». Тогда же он впервые встречает свою будущую жену Галу (Елену Дмитриевну Дьяконову), бывшую тогда женой поэта Поля Элюара.

Работы Дали демонстрируются на выставках, он завоевывает популярность. В 1929 г. примыкает к группе сюрреалистов, организованной Андре Бретоном.

В 1934 г. официально вступает в брак с Галой. В том же году впервые посещает США.

После прихода к власти каудильо Франко Дали ссорится с сюрреалистами, стоящими на левых позициях, и его исключают из группы. В ответ Дали не без оснований заявляет: «Сюрреализм — это я».

С началом второй мировой войны Дали вместе с Галой уезжает в США, где они живут с 1940 по 1948 г. В 1942 г. выпускает свою беллетризованную автобиографию «Тайная жизнь Сальвадора Дали». Его литературные опыты, как и художественные произведения, как правило, оказываются коммерчески успешными.

После возвращения в Испанию живёт преимущественно в своей любимой Каталонии. В 1981 г. у него развивается болезнь Паркинсона. В 1982 г. умирает Гала.

Дали скончался 23 января 1989 г. от сердечного приступа.

Картины Сальвадора Дали можно посмотреть здесь
http://bibliotekar.ru/Kdali/1.htm

[advrau]

Куинджи Архип Иванович [январь 1841, Мариуполь, ныне Жданов, — 11(24).7.1910, Петербург, русский живописец-пейзажист.

Сын сапожника-грека. Живописи обучался главным образом самостоятельно и в петербургской АХ (1868; действительный член с 1893). Член Товарищества передвижных художественных выставок.

В ранний период К. испытал влияние И. К. Айвазовского. В середине 1870-х гг. создал ряд картин, в которых пейзажный мотив рассчитан на конкретные социальные ассоциации в духе передвижников («Забытая деревня», 1874; «Чумацкий тракт», 1875; обе — в Третьяковской галерее). В произведениях зрелого периода К. стремился поэтически передать наиболее выразительные по освещению состояния природы. К. применял композиционные приёмы (высокий горизонт и т. п.), позволяющие создавать панорамные виды. Используя световые эффекты и интенсивные цвета, сведённые к нескольким главным тонам, он добивался почти полной иллюзии освещения («Украинская ночь», 1876; «Берёзовая роща», 1879; «После грозы», 1879; все три — в Третьяковской галерее; «Ночь на Днепре», 1880, Русский музей, Ленинград). Для поздних работ характерны декоративность и внешняя эффектность цветового строя. Преподавал в петербургской АХ (профессор с 1892; с 1894 профессор-руководитель пейзажной мастерской; уволен в 1897 за поддержку студенческих волнений). Ученики: Л. А. Рылов, Н. К. Рерих, К. Ф. Богаевский и др. К. — инициатор создания Общества художников (1909; позже — Общество имени А. И. Куинджи).

Картины: http://www.art-books.ru/albums/kuinji.htm

[Винтик]

МИХАИЛ АЛЕКСАНДРОВИЧ ВРУБЕЛЬ (1856 - 1910)

Родился в Омске в семье военного юриста. Вследствие частых перемещений его отца, Врубель с детства испытал много новых впечатлений, живя попеременно в Омске, Астрахани, Петербурге, Саратове и опять в Петербурге. Получил прекрасное образование. Рисованию его обучали с детства. По окончании юридического факультета Петербургского университета, осенью 1880 г. поступил в Академию Художеств.
Здесь огромное влияние на него оказали профессор П. Чистяков и В. Серов.
На раннем этапе своего творчества много внимания уделял акварели, одновременно пробуя силы в станковой живописи. Позднее был приглашен расписывать иконостас Кирилловской церкви в Киеве (1884-85).
Несколько месяцев в 1884 г. провел в Венеции, изучая живопись раннего Ренессанса. После возвращения в Россию продолжил работы в Киеве.
В 1887 г. ему поручается исполнение фресок для Владимирского собора по эскизам, сделанным им частью еще ранее. В том же году стал заниматься скульптурой и создал и в этой области замечательные произведения.
Осенью 1889 г. он переезжает в Москву, где начинается период его наиболее плодовитой работы. Здесь он знакомится с С.И. Мамонтовым, который принимает участие в художественных начинаниях художника. В московский период Врубель пишет портреты С.И. Мамонтова и К.Д. Арцыбушева, создает «Демона сидящего» (1890), «Испанию» (1894), пишет декоративные панно «Венеция» (1893), «Принцесса Греза» (1896), иллюстрирует произведения М. Лермонтова, занимается скульптурой и декоративной керамикой, работает для театра. В 1899 - 1900 годах исполняет скульптуры для майолик Абрамцевской фабрики («Снегурочка», «Лель», «Садко», «Египтянка» и др.)
Участие Врубеля в выставочной деятельности «Мира искусства» и ряде международных выставок принесло художнику европейскую известность. Среди поздних его шедевров — картины «Царевна-Лебедь», «Сирень» (обе 1900), «Демон поверженный» (1902), «Шестикрылый серафим» (1904) и др.
В 1902 г. появились первые признаки душевного расстройства. С тех пор художник постоянно находился под наблюдением врачей. Временами здоровье позволяло ему возвращаться к работе, однако болезнь прогрессировала. За четыре года до своей смерти Врубель ослеп.
В искусстве серебряного века Врубель представляет собой фигуру ключевого значения: в его творчестве нашли свое отражение как идеи модерна и символизма, так и зачатки новых художественных направлений. Характеризуя художника и его творчество, К. Петров-Водкин писал: «Врубель был нашей эпохой».

[Барталомью]

КАРТИНЫ художника Врубеля :

http://wroubel.ru/painting/contextMenuItem/c9db16f9-4be8-433b-8110-841ce000c2c1/

[мантихора]

ааааааааааааа..... потрясающие картины!!! вы бы знали что со мной творится когда я смотрю на произведения настоящих художников, какая то благоговейная истерика подкатывает и сердце разрывается

[KeiDee]

КАЗИМИР МАЛЕВИЧ

русский живописец. Учился в Училище живописи, ваяния и зодчества (1904-1905 гг.). Участник выставок художественных группировок "Бубновый валет", "Ослиный хвост" и др. В 1919-1922 гг. преподавал в Народной художественной школе "нового революционного образца" в Витебске. В нач. 20 века стремился совместить принципы кубизма и футуризма ("На сенокосе", "Станция без остановки", 1914 г.). Казимир Малевич - один из основателей абстрактного искусства, отошёл от отражения реальных вещей и явлений, отказался от конкретной сюжетной содержательности произведений, трактовал предметную форму как комбинации контрастных по цвету геометрических элементов ("Чёрный квадрат", 1913 г.; "Полёт аэроплана", 1915 г.; "Красный квадрат", 1917 г.)

В 20-е годы учавствовал в оформлении спектаклей В.В. Маяковского "Мистерия Буфф". В 1923-1927 гг. директор Ленинградского гос. института художественной культуры. Автор книг "Искусство, церковь, фабрика", "Супрематизм", "От кубизма к супрематизму". Разработал новое художественное направление в искусстве - "Супрематизм".

Картины художника: http://www.museum-online.ru/Avant-garde/Kazimir_Severinovich_Malevich/Preview/1
http://starat.narod.ru/pictures/malevich/main.htm

[KeiDee]

ВИНСЕНТ ВИЛЛЕМ ВАН ГОГ
(Vincent Villem van Gogh, 1853—1890) голландский художник и график, наряду с Сезанном и Гогеном крупнейший представитель постимпрессионизма. При жизни была продана лишь одна его картина. Нищета, алкоголизм и приступы душевной болезни привели художника к самоубийству. Хотя творческая жизнь Ван Гога продолжалась всего 10 лет, она была необычайно плодотворной: художником было написано около 800 картин. Его ранние работы, изображающие главным образом жизнь крестьян, довольно мрачны по цвету, и по настроению. Однако после переезда в 1886 г. в Париж, когда художник попадает под влияние импрессионизма и японской цветной гравюры на дереве ("грешный мир"), его работы становятся светлее по колориту и разнообразнее по тематике - пейзажи, портреты и натюрморты. Если импрессионистов цвет интересовал главным образом как средство передачи натуры, то для писавшего широкими вихреобразными мазками Ван Гога он был символом, выразительным средством. В 1888 г. художник поселился в Арле, где создал очень много картин, но страдал от участившихся нервных срывов, галлюцинаций и приступов депрессии. К нему приезжал Гоген, однажды они поссорились, после чего в приступе безумия Ван Гог отрезал себя часть уха. За последние 70 дней жизни он написал 70 картин. После смерти слава художника быстро росла. Эмоциональная глубина его творчества оказала огромное влияние на искусство 20 века, в частности на фовизм и экспрессионизм.

http://smallbay.ru/vangog.html

[KeiDee]

ПАБЛО ПИКАССО

французский художник, испанец по происхождению. Скульптор, график, живописец, керамист и дизайнер, наиболее знаменитый, многогранный и плодовитый среди современников. Пикассо впервые посетил Париж в 1900 г. В 1900-1904 гг. он живёт попеременно в Париже и Барселоне. В это время, известное как "голубой период", объектами его творчества были бедняки, изгои общества. Преобладающее настроение этих картин - слегка сентиментальная меланхолия, выраженная сумрачными холодными эфирными оттенками голубого и зелёного.

В 1904 г. Пикассо обосновывается в Париже. Период с 1905 по 1907 г. известен как "розовый период": художник отдавал предпочтение розово-золотистому и розово-серому тонам, а персонажами были странствующие комедианты, танцовщики и акробаты; картины этого периода проникнуты духом трагического одиночества обездоленных. От экспериментов с цветом и передачи настроения он обратился к анализу формы и вместе с Браком, которого встретил в 1907 г., становится родоначальником кубизма - художественного направления, отвергавшего традиции натурализма и изобразительно-познавательную функцию искусства.

В 1920-х гг. Пикассо пишет некоторые из своих наиболее известных, классических работ, отчасти навеянных впечатлениями от поездки в Италию. В это время он продолжает экспериментировать, обнаруживая близость с сюрреализмом. Начиная с 1925 г. Пикассо создаёт выразительные работы, написанные в резкой, неистовой манере. Кульминацией стала самая известная живописная работа художника - "Герника", (1937 г.), отразившая ужас и мерзость войны.

Скульптурные произведения Пикассо также свидетельствуют о мощи его незаурядной фантазии, а как график (рисовальщик, офортист, литограф, линогравёр и дизайнер в дягилевских "Русских сезонах") он считается одним из великих художников 20 века. Работы Пикассо эмоциональны, многие из них, несмотря на пессимистическую тональность проникнуты страстной верой в жизнь. Мало кто из его современников обладал такой способностью представлять с помощью изобразительных средств жестокость и глупость в столь обнажённом виде или восторг всепобеждающей любви.

Картины Пабло Пикассо: http://www.staratel.com/pictures/picasso/main.htm

[Барталомью]

Я ,наверное,тебя расстрою,но Малевич не Русский художник.
Он принадлежит библейской нац-ти.

[Барталомью]

«За Рипейскими горами, по ту сторону Аквилона, счастливый народ , который называется гиперборейцами, достигает весьма преклонных лет и прославлен чудесными легендами. Верят, что там находятся петли мира и крайние пределы обращения светил.
Солнце светит там в течение полугода, и это только один день, когда солнце не скрывается от весеннего равноденствия до осеннего, светила там восходят только однажды в год при летнем солнцестоянии, а заходят только при зимнем.
Страна эта находится вся на солнце, с благодатным климатом и лишена всякого вредного ветра. Домами для этих жителей являются рощи, леса; культ Богов справляется отдельными людьми и всем обществом; там неизвестны раздоры и всякие болезни. Смерть приходит там только от пресыщения жизнью ..."

Иванов Всеволод Борисович (род. 1950), современный художник из Твери. Родился на севере - Беломорск, Медвежьегорск.

Чудесные картины: http://slavs.org.ua/vsevolod-ivanov

[Верующая]

Живопись это круто...Нас сейчас учат этому...лучшая живопись это несомненно Голландия ...18-19 -ый век...
Основных типов так сказать творения 2...лесировачный, и мазками....
Первый более активный и сложный... Сначала наносится "подкладка" это тот цвет, который мы видим на свету на том или ином предмете, объекте...а потом такой же разбавленой водой краской, уже основного цвета...добавляя тени, нанося слой за слоем получаем более менее объёмное изображение...
Мазками..тут проще..сразу на один слой..густой краской наносим мазки, начиная из центра...мазочками, каждый раз меняя цвет, не зацикливаясь на одном предмете, со временем получаем живопись) Вот..собстн...поделилсь чуть чуть опытом..

[GIVI-15]

А мой любимый художник Сальвадор Дали.
Вот одна из моих любимых картин:
http://daliworld.narod.ru/images/kartin/0223.JPG

[Baranoff]

Яцек Йерка - художник-иллюстратор, родился в 1952 в г. Торунь на севере Польши (этот город также является родиной Николая Коперника)...
Художник рос в окружении средневековой архитектуры, пострадавшей от Второй мировой Войны, что оказало сильное влияние на творчество автора. Яцек Йерка изучал графику на Факультете Изобразительного Искусства в Университете Коперника в своём родном городе. В 1994 году вышла первая книга с работами художника Mind Fields. В 1995 году Яцек Йерка получил престижную премию "World Fantasy Award" как лучший художник.
Стиль Яцека Йерки критики относят к реалистичному сюрреализму и стилю фэнтези, хотя его творчество трудно отнести к тому или иному стилю. Работы художника можно встретить в различных американских изданиях, они выставляются в Польше, Германии, Франции, Монако и Соединенных Штатах, а также находятся в ряде коллекций по всему миру.
Мне по душе картины Йерки... Дали тоже великолепен, да СЮР это ж вообще очень интересно!)

[Молнар]

Молодцы, дорогие форумчане, что так уважительно относитесь к живописи.
Я тоже скоро опубликую биографии некоторых художников из Венгрии, которые считаются мировыми именами.

Все картины- это трансформаторы чувств, мы можем почувствовать то, что художник тогда чувствовал, когда картину писал, но по своему.
Обращаю внимание, что все по разному толкуют даже одинаковые картины.
От этого так великолепен мир живописи!
на английском посмотрите этот сайт:

http://www.hung-art.hu/index.html

Здесь вы видите 2 картины художника Чонтвари, его картины сейчас стоят несколькмх миллионов форинтов. Одинокий кедр символизирует самого художника, которого не понимали и высмеивали (он жил во время импрессионистов).
А портрет князя Ракоци интересен тем, что он возглавил антигабсбургское движение венгров крестоносцев "куруцов" в средние века и старался заключить союз с французским королем и русским царем.

[kiisu]

Я ,наверное,тебя расстрою,но Малевич не Русский художник.
Он принадлежит библейской нац-ти.

что значит библейская национальность? о_О

[Milkshake]

Фридрих (Friedrich) Каспар Давид (1774-1840), немецкий живописец. В 1794-1798 учился в копенгагенской Академии художеств, затем работал в Дрездене. Крупнейший пейзажист раннего немецкого романтизма, Фридрих изображал, как правило, поросшие лесом горы Баварии или пустынное побережье Померании с человеческими фигурами, как бы затерянными среди природы. Подчиняя пейзажные мотивы эффектам рассеянного, таинственного мерцающего или феерически вспыхивающего освещения (чаще лунного, чем солнечного), он воплощал стихийную мощь, грозную и почти мистическую беспредельность мироздания, тонкое созвучие сил природы движениям человеческой души, чувство прорыва в неведомое. Пейзажи Фридриха отличаются строгой выверенностью рисунка, четкостью пространственных планов, богатой игрой светотени («Пейзаж с радугой», 1809, Веймар; “Двое, созерцающие луну”, 1819, Картинная галерея, Дрезден). Смутное внутреннее беспокойство порой перерастает в его картинах в настроение щемящей тоски, в горькое осознание бренности всего земного (“Месса в готической руине”, 1819, Национальная галерея, Берлин; “Гибель “Надежды” во льдах”, 1822, Кунстхалле, Гамбург).

http://smallbay.ru/images9/friedrich01_small.jpg

Картины Фридриха: http://unity.stroyinf.ru/cgi-bin/unity/gallery.cgi?a=15&i=172

Собственно, это один из моих любимых художников. До него, признаться, я несколько скептически относилась к пейзажистам.

[Бадяга]

http://dreamworlds.ru/kartinki/2122-kartiny-zhozefiny-uoll-bolshojj-razmer.html - картины

Жозефина Уолл
Известная художница Жозефина Уолл родилась и жила в Англии. Ее картины в стиле фэнтези уже давно популярны во всем мире. Своих сказочных персонажей Жозефина Уолл создает с помощью ярких акриловых красок, увлекая нас в волшебный мир собственного воображения.Художественно� � образование Уолл получила в Борнмутском колледже, который окончила в 1967 году. Еще в период учебы она стала выставлять свои работы (в основном это были пейзажи) в местных галереях. Известность пришла к ней, когда она после колледжа занималась дизайном и росписью керамики, а также создавала небольшие скульптурные композиции с мифологическими существами, животными и насекомыми. Первые её работы, появившиеся на выставке в Лондоне в 1968 году, привлекли внимание публики своеобразием пластики и яркостью красок, а ведь это были всего лишь небольшие бабочки и стрекозы.Молодая художница попробовала свои силы в дизайне, росписи одежды и обуви, создании красочных витражей и росписи по стеклу. Её работы с успехом экспонировались в Англии, а в 1974 году были представлены на выставках в Токио и Тегеране. В следующем году у Жозефины Уолл в Суиндоне прошла первая персональная выставка. Вскоре выставки стали проходить регулярно, а издательства стали заключать с Жозефиной договоры на репродуцирование её картин и издание альбомов. К этому времени она, не отказавшись полностью от мелкой пластики и дизайна, стала писать картины, в которых реальность переплеталась с фантазией. Жозефина считает, что поворот её творчества к изображению фантастического мира был вполне закономерен, так как она с детства любила сказки, а затем увлеклась научной фантастикой и произведениями сюрреалистов. Художница любит повторять, что «фантазия дает мне возможность изобразить мир таким, каким я хотела бы его видеть».У Жозефины давно сложился свой узнаваемый стиль живописи. Пишет она яркими акриловыми красками, предпочитая различные оттенки сиреневых, синих, зеленых и желтых цветов. Практически не использует чистый красный цвет и принципиально не пишет черным, создавая темные оттенки смешением различных цветов, чаще всего жженой умбры с ультрамарином.Идеи своих картин Жозефина черпает из книг, кинофильмов, наблюдений за природой и собственных фантазий. Она говорит, что идеи буквально носятся в воздухе, посещая её в любое время, главное, успеть их «ухватить». Возникшие идеи художница заносит в ноутбук, который постоянно у неё под рукой, иногда делает небольшие зарисовки. Но эскизы для своих работ не создает практически никогда, предпочитая делать набросок карандашом или краской прямо на холсте, подготовленном для картины. Ей нравится писать «с чистого листа», так как в ходе работы возникают новые интересные детали, а зачастую и сам замысел картины претерпевает существенные изменения. Уолл говорит, что любит работать не спеша, затрачивая на картину 2-3 недели (100-150 часов) и обычно не начиная новое полотно, пока не сделан последний мазок на предыдущем. При этом она руководствуется не только свободным полетом фантазии, но и скрупулезным изучением того, что собирается написать, особенно, если это сцена из древней мифологии или легенд. В доме, который Жозефина с мужем приобрели на юге Англии в графстве Дорсет, все способствует творчеству. С холма, на котором расположен дом, открывается прекрасный вид на лес, поля и зеленые холмы, долетающий с моря ветерок разносит аромат цветущей глицинии, буквально обвивающей все здание. Жозефина говорит, что этой глицинии уже более 70 лет, поэтому и свое жилище она назвала «Дом глицинии». Работает художница в большой мастерской-студии с деревянным пирамидальным потолком и громадными французскими окнами. Из студии можно выйти на большой балкон, с которого широкая лестница ведет прямо в сад.


http://dreamworlds.ru/kartinki/180-kartiny-khudozhnicy-zhozefiny-uoll.html - картины :11:

http://shkolazhizni.ru/archive/0/n-23155/ - вообщем то статья

[Бадяга]

Жозефина Уолл
Известная художница Жозефина Уолл родилась и жила в Англии. Ее картины в стиле фэнтези уже давно популярны во всем мире. Своих сказочных персонажей Жозефина Уолл создает с помощью ярких акриловых красок, увлекая нас в волшебный мир собственного воображения.Художественно� � образование Уолл получила в Борнмутском колледже, который окончила в 1967 году. Еще в период учебы она стала выставлять свои работы (в основном это были пейзажи) в местных галереях. Известность пришла к ней, когда она после колледжа занималась дизайном и росписью керамики, а также создавала небольшие скульптурные композиции с мифологическими существами, животными и насекомыми. Первые её работы, появившиеся на выставке в Лондоне в 1968 году, привлекли внимание публики своеобразием пластики и яркостью красок, а ведь это были всего лишь небольшие бабочки и стрекозы.Молодая художница попробовала свои силы в дизайне, росписи одежды и обуви, создании красочных витражей и росписи по стеклу. Её работы с успехом экспонировались в Англии, а в 1974 году были представлены на выставках в Токио и Тегеране. В следующем году у Жозефины Уолл в Суиндоне прошла первая персональная выставка. Вскоре выставки стали проходить регулярно, а издательства стали заключать с Жозефиной договоры на репродуцирование её картин и издание альбомов. К этому времени она, не отказавшись полностью от мелкой пластики и дизайна, стала писать картины, в которых реальность переплеталась с фантазией. Жозефина считает, что поворот её творчества к изображению фантастического мира был вполне закономерен, так как она с детства любила сказки, а затем увлеклась научной фантастикой и произведениями сюрреалистов. Художница любит повторять, что «фантазия дает мне возможность изобразить мир таким, каким я хотела бы его видеть».У Жозефины давно сложился свой узнаваемый стиль живописи. Пишет она яркими акриловыми красками, предпочитая различные оттенки сиреневых, синих, зеленых и желтых цветов. Практически не использует чистый красный цвет и принципиально не пишет черным, создавая темные оттенки смешением различных цветов, чаще всего жженой умбры с ультрамарином.Идеи своих картин Жозефина черпает из книг, кинофильмов, наблюдений за природой и собственных фантазий. Она говорит, что идеи буквально носятся в воздухе, посещая её в любое время, главное, успеть их «ухватить». Возникшие идеи художница заносит в ноутбук, который постоянно у неё под рукой, иногда делает небольшие зарисовки. Но эскизы для своих работ не создает практически никогда, предпочитая делать набросок карандашом или краской прямо на холсте, подготовленном для картины. Ей нравится писать «с чистого листа», так как в ходе работы возникают новые интересные детали, а зачастую и сам замысел картины претерпевает существенные изменения. Уолл говорит, что любит работать не спеша, затрачивая на картину 2-3 недели (100-150 часов) и обычно не начиная новое полотно, пока не сделан последний мазок на предыдущем. При этом она руководствуется не только свободным полетом фантазии, но и скрупулезным изучением того, что собирается написать, особенно, если это сцена из древней мифологии или легенд. В доме, который Жозефина с мужем приобрели на юге Англии в графстве Дорсет, все способствует творчеству. С холма, на котором расположен дом, открывается прекрасный вид на лес, поля и зеленые холмы, долетающий с моря ветерок разносит аромат цветущей глицинии, буквально обвивающей все здание. Жозефина говорит, что этой глицинии уже более 70 лет, поэтому и свое жилище она назвала «Дом глицинии». Работает художница в большой мастерской-студии с деревянным пирамидальным потолком и громадными французскими окнами. Из студии можно выйти на большой балкон, с которого широкая лестница ведет прямо в сад.


http://dreamworlds.ru/kartinki/180-kartiny-khudozhnicy-zhozefiny-uoll.html - картины :11:
http://shkolazhizni.ru/archive/0/n-23155/ - вообщем то статья[/QUOTE]

[optima]

Напишу про своего любимого художника

Рене Магритт

Магритт родился 21 ноября 1898 г. в маленьком городке Лессине, в Бельгии. Детство и юность провёл в небольшом промышленном городе Шарлеруа. Жизнь была весьма тяжёлой.

В 1912 году его мать утопилась в реке Самбре, что, видимо, оказало большое впечатление на бывшего тогда ещё подростком будущего художника, однако, вопреки расхожему мнению, не стоит переоценивать влияние этого события на творчество автора. Магритт вынес из детства ряд других, не столь трагичных, но не менее загадочных воспоминаний, про которые сам говорил, что они нашли отражение в его творчестве (лекция 1938 года).

Два года Магритт проучился в Королевской Академии Изящных Искусств в Брюсселе, которую покинул в 1918 году. В это время он познакомился с Жоржеттой Бергер, на которой женился в 1922 году и с которой прожил до самой смерти в 1967.

Магритт работал художником плакатов и рекламы на фабрике бумажной продукции вплоть до 1926 года, когда контракт с брюссельской галереей Сенто позволил ему полностью посвятить себя живописи.

В 1926 году Магритт создаёт сюрреалистическую картину «Потерянный жокей», которую считал своей первой удачной картиной такого рода.

В 1927 году устраивает свою первую выставку. Критики признают её неудачной, и Магритт с Жоржеттой уезжают в Париж, где знакомятся с Андре Бретоном и вступают в его кружок сюрреалистов. В этом кружке Магритт не потерял свою индивидуальность, но вступление в него помогло Магритту обрести тот фирменный своеобразный стиль, по которому узнаются его картины. Художник не боялся спорить с другими сюрреалистами: например, Магритт отрицательно относился к психоанализу и особенно к его проявлениям в искусстве. Действительно, природа его творчества не столько психологическая, сколько философски-поэтическая, даже интеллектуальная.

После расторжения контракта с галереей Сенто Магритт возвращается в Брюссель и снова работает с рекламой, а затем вместе с братом открывает агентство, которое даёт им постоянный доход. Во время германской оккупации Бельгии во время Второй мировой войны Магритт сменяет цветовую гамму и стилистику своих картин, приближаясь к стилистике Ренуара: художник считал важным взбодрить людей и вселить в них надежду.

Однако после войны Магритт перестаёт писать в таком «солнечном» стиле возвращается к образам своих довоенных картин. Перерабатывая и совершенствуя их, он окончательно формирует свой странный стиль и добивается широкого признания.

Магритт умер от рака поджелудочной железы 15 августа 1967 года, оставив недописанной новый вариант своей, возможно, самой известной картины «Империя света».

Картины (http://artpages.org.ua/index.php?option=com_datsogallery&Itemid=104&func=viewcategory&catid=11&startpage=1)